Análisis historiográfico de una obra de arte (pasos).

Ejemplo para realizar un comentario de diapositivas para Historia del Arte: pintura.

EL MATRIMONIO ARNOLFINI

Vinculación socio-Histórica con la época: La época en la que se realiza constituye una época marcada por la evolución cultural, política y económica de Europa pues se halla conectada con el desarrollo de las ciudades, el acrecentamiento del poder real y la creación de una cultura secularizada que se libera de la tutela de la Iglesia. Nuevas fuentes de riqueza basadas en el conocimiento científico y la importancia del comercio y la industria contribuyen a la creación de la nueva sociedad. Gracias a estas nuevas estructuras y conocimientos se erigen las grandes construcciones y entre ellas las catedrales.

Encuadre Estilístico: Se trata de la obra de temática doméstico El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck, fechada en el 1434, y que representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenani. Es una obra maestra de la pintura flamenca, la cual se caracteriza por que el realismo está inmerso en lo religioso; se recrea el mundo, la luz y la atmósfera; se cultivan formas y géneros nuevos (historia, grupo, retrato, marina...); no se separa el color del dibujo. Existe poca preocupación por las formas y el ritmo; se conquista la luz y el colorido. Existe una gradación, brillo y pureza. Hay un alto simbolismo en las obras.

Análisis Técnico: Pintura sobre tabla al óleo, que se utiliza como aglutinante de colores. Permite crear veladuras, como velos de luz a modo de transparencias, conseguidas a base de superponer pinceladas, alcanzando un alto virtuosismo especialmente cuando se trata de pintar objetos minuciosos y brillantes.

En su composición tiende a la simetría. Cerrada, armónica y equilibrada. Orden en la disposición de los personajes. Desde el punto de vista compositivo, la luz proviene de la ventana izquierda, creando así un eje lateral que dinamiza la escena, por lo demás es muy estática.

En la perspectiva, las líneas convergen hacia el fondo, configurando un esquema de perspectiva lineal, que esta obra se amplía gracias al efecto singular del espejo del fondo y cuyo efecto es ganar profundidad. Esta configuración de la perspectiva se complementa en esta pintura con la acción de la luz.

Destaca por la ausencia de movimiento. Las figuras representadas están en actitud de reposo, de pie. Se trata de un retrato, pero no de un retrato cualquiera; es un testimonio documental de los esponsales de estos novios, de lo cual da fe como si de un notario se tratara, el propio pintor, con su cuadro y con su firma, estampada encima del espejo convexo del fondo de la habitación, y en la que dice, J. Van Eyck estuvo aquí.

Gradación del color en función de la luz. Se utiliza la técnica de la veladura consistente en aplicar pinceladas superpuestas, dando la sensación de velos de luz a modo de transparencias, otorgando un brillo y una minuciosidad de gran perfección. A pesar de un excepcional uso del color , destaca por el protagonismo que se otorga a la línea. Uso de una luz brillante y con veladuras que provoca la técnica al óleo y que crea una atmósfera en la que parece representado el aire. Hasta el punto, que pareciera que la luminosidad irradiara de los propios objetos como si fueran esmaltes.

La utilización del óleo aporta a la pintura valores de finura y especial delicadeza; es una representación naturalista de la realidad.

Análisis simbólico: Todo el cuadro se configura como un repertorio simbólico que atestigua y da fe del hecho representado. Ningún objeto aparece gratuitamente, todo tiene su valor simbólico: la lámpara, con una sola vela encendida, alude a la llama sagrada de Cristo. El espejo es símbolo de pureza de la mujer que acude virgen al matrimonio. En absoluto debe engañarnos el vientre aparentemente abultado de Juana de Cenani, pues se trata de una imagen habitual en las pinturas de la época, y que debe de entenderse como una iconografía habitual, que alude en la mujer a su valoración universal como madre. Los tondos que rodean el espejo ilustran en un alarde miniaturista del pintor, diversas escenas de la pasión de Cristo, con lo que se vuelve a insistir en el valor sagrado de la unión. Sobre la cabecera de la cama aparece representada Santa Magdalena, patrona de los partos. El perrito es símbolo de fidelidad. Las zapatillas recogen el simbolismo de asistir a un ritual sagrado, razón por la cual los retratados están descalzos. La fruta, que aparecen en la consola junto a la ventana, es símbolo de la inocencia frente al pecado. Los propios esposos están posando en un gesto de bendición. Todo ello completa la simple valoración pictórica de la obra, otorgándole así una dimensión simbólica de una enorme complejidad intelectual.

Ejemplo para realizar un comentario de diapositivas para Historia del Arte: escultura.

PUERTA DEL SARMENTAL

Vinculación socio-Histórica con la época: La época en la que se realiza constituye una época marcada por la evolución cultural, política y económica de Europa pues se halla conectada con el desarrollo de las ciudades, el acrecentamiento del poder real y la creación de una cultura secularizada que se libera de la tutela de la Iglesia. Nuevas fuentes de riqueza basadas en el conocimiento científico y la importancia del comercio y la industria contribuyen a la creación de la nueva sociedad. Gracias a estas nuevas estructuras y conocimientos se erigen las grandes construcciones y entre ellas las catedrales.

Encuadre Estilístico: De temática religiosa, es la portada del Sarmental de la Catedral de Burgos, del maestro Enrique, situada en uno de los brazos del transepto. Presenta una clara influencia de la catedral de Amiens. Estilo gótico del siglo XIII (taller de Burgos), en la fase clásica de la escultura gótica francesa durante la cual las imágenes se subordinan a la arquitectura, son más naturales hasta llegar a cierta humanidad. Existe cierto idealismo cargado de solemnidad que representa al hombre en su plenitud y su nobleza.

Análisis Técnico: Se trata de relieve, en concreto medio y alto relieve. Las figuras aparecen de frente, de perfil. De pie y sentadas. Se realiza con materiales en piedra. Atendemos a un modelado más real de las figuras. Los pliegues de los paños y los gestos de las figuras dan cierta sensación de movilidad.

La composición es característica de los tímpanos góticos: alrededor de Cristo, que preside el tímpano, se distribuyen el resto de los personajes, obligados a adaptarse al marco arquitectónico. Así, de la misma manera que el arco apuntado del tímpano exige que los escribanos curven sus cuerpos, las arquivoltas obligan a las figuras superpuestas a seguir la curva de los arcos, de acuerdo con la costumbre gótica y en contra de la románica que preferentemente obligaba a seguir la orientación de las diferentes dovelas de las arcadas.

Las figuras, aunque todavía muestran la frontalidad y rigidez románicas, ya presentan una humanización gótica al relacionarse entre sí y desarrollar actividades concretas. Los rostros denotan rasgos diferenciados y los ropajes, que acentúan las líneas curvas a partir de los pliegues, favorecen la corporeidad. Los evangelistas-escribanos y los apóstoles reciben un tratamiento más naturalista. Estos últimos, cuyo frontalismo contrasta con el movimiento de sus cabezas, están sentados y sostienen libros conversan con sus compañeros, otros, con la mirada distraída, parecen meditar.

La mayor parte de las esculturas son prácticamente exentas y se integran en la arquitectura mediante elementos arquitectónicos como las peanas -que ejercen de doseles de los sujetos inmediatamente inferiores-. Entre el tímpano y el dintel destaca un doselete corrido que sirve de base a la escena central y de remate al friso de los apóstoles; su decoración de castilletes remite a la muralla de Dios o a la Jeruselén celestial. Dinámicas olas marinas ejercen de separadoras de los escribanos que coronan el tímpano y contrastan con la inmovilidad de las figuras.

En el relieve la perspectiva se alcanza con el “juego de alto, medio y relieve”. En este caso no hay representación de perspectiva porque no hay elementos de encuadre. En este tímpano, comparable a los de Francia, llama la atención el irregular volumen de sus relieves, en relación con su tamaño. Han sido encastrados en el soporte. La pintura complementaba el conjunto.

Análisis iconográfico: sigue cumpliendo como en el arte románico dos funciones, embellecer y enseñar. Seguimos pues, ante un arte relato caracterizado por tener una fuerte carga simbólica. La Portada simboliza la puerta del cielo y en ella se va a representar la iconografía más importante. El programa iconográfico de su única portada está dedicado a la Maiestas Domini: trasmite un mensaje apocalíptico que puede parangonarse con el modelo que deriva de la Puerta Real de Chartres.

En el centro del tímpano aparece Cristo en Majestad en actitud de bendecir con la mano derecha, mientras con la izquierda sujeta el libro de los Evangelios, que apoya en la rodilla. A su izquierda y derecha, escoltándole, y superpuestos de dos en dos, aparecen los cuatro evangelistas y sus símbolos o Tetramorfos. Dos de ellos, San Marcos al lado del león, y San Lucas al lado del toro, van sentados en amplias banquetas, se inclinan sobre sendos pupitres y escriben al dictado del Redentor el Nuevo Testamento; los otros dos van colocados en un nivel superior, encima de su símbolo -el águila- San Juan, y encima del ángel –que porta un libro- San Mateo; los dos también sentados y escribiendo sobre atriles. El tamaño de los evangelistas es inferior al de Jesús, de acuerdo con el precepto de la perspectiva jerárquica y parecen escribanos afanados con sus plumas entre los dedos y los cuernos de la tinta donde mojar a su derecha. Por debajo del tímpano se sitúa el apostolado que va cubierto por un doselete corrido, formado por arquillos trilobulados.

El tímpano va delimitado dentro del muro por tres arquivoltas. La primera decorada por una hilera de ángeles y serafines que, portando cirios, adoran al Creador, mientras en las dos restantes encontramos a los 24 ancianos del Apocalipsis (sólo veintitrés y un serafín) tañendo instrumentos, reyes bíblicos y santos. Todas estas esculturas se asientan sobre peanas que al mismo tiempo ejercen la función de pequeños doseles de las inmediatamente inferiores.

Las jambas de la portada se componen de un zócalo y dos galerías superpuestas de arcos ciegos. La inferior, sin decoración escultórica, lleva dobles columnas adosadas, mientras que en la superior son simples y la decoran esculturas de Moisés, Aarón, San Pedro, San Pablo y otros dos personajes no identificados.

En el parteluz, aparece la figura de un obispo con mitra estrellada en la que popularmente se ha visto la representación del obispo don Mauricio, bajo cuyo pontificado se inició la construcción de la Catedral, de acuerdo con la costumbre francesa de incorporar a los personajes relacionados con la construcción en los proyectos iconográficos de sus edificios. Sobre el doselete que la cobija aparece el Cordero Místico, elemento iconográfico extraído del Apocalipsis y, por tanto, muy en consonancia con los veinticuatro ancianos y la exaltación del Verbo o Palabra de Dios.

Ejemplo para realizar un comentario de diapositivas para Historia del Arte: arquitectura.

NOTRE DAME de París

Vinculación socio-Histórica con la época: La época en la que se construyo N.D constituye una época marcada por la evolución cultural, política y económica de Europa pues se halla conectada con el desarrollo de las ciudades, el acrecentamiento del poder real y la creación de una cultura secularizada que se libera de la tutela de la Iglesia. Nuevas fuentes de riqueza basadas en el conocimiento científico y la importancia del comercio y la industria contribuyen a la creación de la nueva sociedad. Gracias a estas nuevas estructuras y conocimientos se erigen las grandes construcciones y entre ellas las catedrales.

Encuadre estilístico: La obra está datada en el S. XII-XIII. Y pertenece al estilo Gótico, un estilo que nace en Francia y se extiende al resto de Europa. Se diferencia varias etapas de este, perteneciendo N.D al Gótico inicial de la primera mitad. Su autor son los arquitectos Pierre de Montreuil y Jean de Chilles que construyeron las fachadas norte-sur de la catedral.

Análisis Técnico: Empleo de materiales nobles, como la piedra (granito) labrada en sillares firmados con marcas de cantero. La planta es de cruz latina dividida en cinco naves. El transepto destaca en planta y se sitúa casi en el centro de la nave. El crucero se encuentra coronado por una aguja muy estilizada que acentúa la verticalidad del edificio. En la cabecera el ábside presenta girola y capillas radiales. Se aprecian las nuevas técnicas constructivas: la bóveda de crucería envía los empujes a los arbotantes, arcos aéreos que transmiten el peso a los contrafuertes situados en el exterior y éstos a tierra. Los contrafuertes se encuentran rematados con pináculos. Por último se cubre con un tejado a dos aguas.

Los elementos de sustentación son arcos apuntados bastante abiertos, bóvedas sexpartitas en la nave principal y de crucería en las laterales separadas por fajones. Sobre las naves laterales se encuentra la tribuna y, sobre ella, una serie de ventanales organizados por dos arcos con un óculo entre ellos y abrazados por otro mayor, con lo que presenta tres pisos en altura. Todos los huecos de ventanales y rosetones aparecen decorados por vidrieras, con lo que la luz en el interior remite al ideal de espacio místico perseguido por los arquitectos de la época.

En el exterior consigue crear un perfecto equilibrio entre la línea horizontal y la vertical, tanto porque las torres que flanquean la fachada rematan en terraza, como porque al impulso ascensional de los portales se opone la horizontal dibujada por la galería de Reyes. También por fuera se refleja la estructura interna, al observar las diferentes alturas, y poder contemplar el sistema de contrarrestos. Su fachada es el prototipo de las francesas, con un esquema en “hache”, teniendo el cuerpo principal dos torres que la flanquean, rematadas en terrazas. Cada una de ellas es una perfecta obra escultórica y cuentan con sendos rosetones. La fachada principal nos muestra una distribución en pisos y está dividida en tres puertas por el exterior, con lo que parece que tiene tres naves en vez de las cinco que presenta. Su ornamentación es riquísima, perfectamente adaptada al marco arquitectónico Sobre el parteluz se abre un tímpano encajado entre el dintel, dividido en tres partes. Las arquivoltas apuntadas están llenas de figuras que recogen la disposición del arco, como es característico del estilo, en vez de disponerse radialmente, como ocurría en el Románico.

Dos torres de planta cuadrada, mochas a cada lado rematan la construcción. Tienen los cuatro lados totalmente abiertos como corresponde a los campaniles y son perfectamente iguales. Hermosas y variadas gárgolas de desagüe y otra serie de figuras de coronación de aleros completan la escultura de este templo.

Entre los elementos decorativos destaca el rosetón, elemento decorativo y funcional ya que permite la entrada de luz. Los relieves de los tímpanos, arquivoltas, capiteles, etc.

Análisis estético Formal: Es un edificio religioso en el cual se puede apreciar tres elementos simbólicos principalmente: La gran altura del edificio y su verticalidad plasman la idea del triunfo de la vida; La iluminación permitida por la reducción del grosos de los muros y la apertura de grandes ventanales simbolizan la inteligencia, que todo lo ilumina, el triunfo de la religión que ilumina al hombre; de la política cuya luminosidad tiene que regir la ciudad, y de la justicia, que debe estar presidida por la claridad; La utilidad práctica de los edificios en torno a las necesidades del hombre hacía del ser humano el centro del mundo y del arte gótico.